Jean-Baptiste Greuze

Psyché couronnant l'Amour

Greuze peignit de nombreux portraits et subit quelques critiques pour ses toiles libertines. Il s'est également essayé aux thèmes allégoriques  l'Offrande à l'Amour (1769)  mythologiques  Danaé et religieux Sainte Marie L'Égyptienne  mais sans convaincre. La Révolution de 1789 amena la vogue de l'antique et dévalorisa son travail, le conduisant à vivre de leçons. Déjà très diminué, son grand portrait en pied de Napoléon Bonaparte en costume de Premier Consul (Musée du Château de Versailles) qu'on lui commanda à la fin de sa vie en 1803, en grande partie réalisé par son atelier (et sa fille), et reprenant le visage du portrait d'après nature de 1792, ne l'empêcha pas de mourir dans la pauvreté

Greuze était franc-maçon et faisait partie de la loge des Neuf Sœurs

Un thème récurrent chez Greuze est la perte de la virginité qu'il symbolisa notamment dans La Cruche cassée, Le Malheur imprévu, Les Œufs cassés ou encore L'Oiseau mort.

Georges Seurat

Les Poseuses

Ce tableau est une réponse aux critiques qui reprochaient à la technique de Seurat d’être froide, de ne pouvoir représenter la vie. Ainsi, l’artiste propose un nu. La même modèle a posé trois fois. On remarque à gauche une partie d’Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte

Georges Seurat (Paris 2 décembre 1859 - Paris 29 mars 1891), peintre français, pionnier du pointillisme et du divisionnisme que l'on peut qualifier d'impressionnisme scientifique. Peintre de genre, figures, portraits, paysages animés, paysages, peintre à la gouache, dessinateur.Il meurt subitement,  à l'âge de 31 ans, probablement de diphtérie. Sa famille découvrira à cette occasion qu'il entretenait depuis plusieurs années une liaison avec Madeleine Knobloch, de qui il avait eu un fils, Pierre Georges, né en 1890, qui devait d'ailleurs décéder deux semaines après son père, de la même infection.

Au cours de sa brève existence,ce peintre cérébral , cultivé, sophistiqué, dépasse avec détermination l’immédiateté “romantique” de la peinture impressionniste pour élaborer une méthode picturale fondée sur des lois scientifique précises et révolutionner le concept même de l’art figuratif. Son problème étant de trouver un lien entre l’art et la science et, plus précisément, entre la peinture, la physiologie et la psychologie de la perfection. La théorie de la peinture de Seurat se fonde sur l’optique ou plus précisément sur un concept appelé le « pointillisme ». Celui-ci repose sur l'idée que la lumière résulte de la combinaison de plusieurs couleurs, et que donc un ensemble de points colorés juxtaposés peuvent, observés depuis une certaine distance, recomposer l’unité de ton et rendre la vibration lumineuse avec d’avantage d’exactitude. Georges Seurat s'est notamment inspiré des recherches que le chimiste français Eugène Chevreul avait menées à l'occasion de travaux de restauration de tapisseries, et s'est en particulier beaucoup intéressé à son essai De la loi du contraste simultané des couleurs, publié en 1839.

Georges Seurat

Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte

Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte est un tableau de Georges Seurat,

Seurat a peint ce tableau vers 1884-1886 sur l'île de la Grande Jatte. L’île de la Grande Jatte, aujourd'hui appelée "île de la Jatte", est une île sur la Seine. Elle est située aujourd'hui entre Neuilly-sur-Seine et Levallois-Perret sur sa rive droite, Courbevoie et le quartier d'affaires de La Défense sur sa rive gauche. Elle a été rendue célèbre par les peintres impressionnistes qu'elle a inspirés, en particulier Monet, Van Gogh et Sisley et bien sûr Seurat.

Ce tableau de grand format se caractérise par des tons froids et une technique pointilliste. Seurat établit des différences de plans en distribuant deux grandes zones d'ombre et de lumière, mais il garde la même intensité chromatique sur l'ensemble de l'espace. On remarque que Seurat a également peint l'encadrement de son tableau, avec sa technique divisionniste

Toulouse-Lautrec

Salon Rue des moulins (1894)

Incapable de participer aux activités qu’un corps normal aurait permises, Toulouse-Lautrec vécut pour son art. Il devint un peintre du post-impressionnisme, un illustrateur de l’Art nouveau et un remarquable lithographe ; il a croqué le mode de vie de la Bohème parisienne à la fin du XIX^e siècle. Au milieu des années 1890, il a contribué par des illustrations à l'hebdomadaire humoristique Le Rire.

On le considérait comme « l’âme de Montmartre », le quartier parisien où il habitait. Ses peintures dépeignent la vie au Moulin Rouge et dans d’autres cabarets et théâtres montmartrois ou parisiens, il peint Aristide Bruant ainsi que dans les maisons closes qu’il fréquentait et où peut-être il contracta la syphilis. Il avait notamment une chambre à demeure à La Fleur blanche. Trois des femmes bien connues qu’il a représentées étaient Jane Avril, la chanteuse Yvette Guilbert, et Louise Weber, plus connue comme La Goulue, danseuse excentrique qui créa le « cancan ».

On dit que Toulouse-Lautrec est un artiste génial dont les remarquables capacités d’observation se sont accompagnées d’une sympathie profonde envers l’humanité. Il n’a jamais laissé voir quelque regret que ce fût en raison de sa difformité. Il vécut sa vie pleinement, se fit de nombreux amis et fut toujours accepté malgré sa taille étriquée.

La Trinité, une des premières toiles de El Greco à Tolède.  

La Trinité, représentation d’un dogme central du christianisme, est destinée à être la partie haute du retable du grand autel de l'église Santo Domingo el Antiguo à Tolède, qui comporte sept toiles et cinq sculptures enchâssées dans une structure architectonique ornée de colonnes et frontons. El Greco reçoit la commande de l'ensemble iconographique du retable le 11 septembre 1577. La composition du retable semble avoir été approuvée par le doyen de la cathédrale Santa María de Tolède, Diego de Castilla père de Luis de Castilla avec lequel El Greco s'était lié d'amitié à Rome.

Dieu est peint comme un vénérable vieillard avec les cheveux longs et une barbe vénérable et tient devant lui dans ses mains le Christ mort. Il est vêtu de blanc comme le pape, porte un manteau bleu et or et une tiare. Le Christ est peint dans la position de la descente de croix avec les stigmates de son calvaire. Une colombe, placée sur un fond or comme dans la tradition iconique, représente le Saint-Esprit et vole au-dessus. Les anges et séraphins font cercle autour de la scène. La lumière semble venir du corps du Christ, de Dieu et de la colombe.

La Vue de Tolède sous l'orage est généralement considérée comme l’un des premiers paysages en tant que sujet unique de peinture et non décor.

El Greco cherche à communiquer l'essentiel ou la signification essentielle du sujet à travers un processus de caractérisation et de simplification. À Tolède, il s'accomplit en abandonnant la solennité de la Renaissance et l'observation de la nature. Au contraire, il se conforme au maniérisme du XVI^e siècle et au style byzantin dans lesquels les images sont conçues dans l'esprit. L'espace est perçu dans l'imagination, la lumière est incandescente, rétive et irréelle, les couleurs sont pures, lumineuses et surnaturelles, les figures sont allongées, énergiques et dématérialisées. Toutes paraissent illuminées et dynamisées par l'intervention spirituelle de la grâce divine pour suggérer la puissance de l'âme.

El Greco

Jésus chassant les marchands du temple, un exemple de la manière italienne de El Greco

Domínikos Theotokópoulos (en grec ????????? ?????????????) dit El Greco (« le Grec »), né en 1541 (?) en Crète à Candie (aujourd’hui Héraklion), mort le 7 avril 1614, à Tolède (Espagne), est un peintre, sculpteur et architecte grec de l’École espagnole du XVI^e siècle. El Greco est considéré comme le peintre fondateur de l’École espagnole.

Son oeuvre picturale synthèse du maniérisme renaissant et d'art byzantin est caractérisé par des formes allongées et des couleurs vives. S'il fut célébré de son vivant, il a été oublié pendant plus d'un siècle. Redécouvert au milieu du XIXe siècle par les romantiques français en particulier, sa peinture extravagante a suscité des commentaires innombrables souvent en contradiction avec les faits historiques avérés. Sa singularité a influencé de nombreux artistes au XXe siècle, entre autres Picasso, Jackson Pollock qui se sont directement inspirés de lui.

Alfred Sisley

Pont de Villeneuve-la-Garenne

Sisley est un peintre exclusivement paysagiste, celui qui, dans la lignée de Corot, et avec Monet, a le mieux cherché et réussi à exprimer les nuances les plus subtiles de la nature dans les paysages impressionnistes. D'origine et de nationalité britannique, quoiqu'ayant vécu en France, il s'inscrit aussi, par ses paysages, dans la lignée de Constable, Bonington et Turner. S'il subit l'influence de Monet, il s'éloigne de son ami par sa volonté de construction qui lui fait respecter la structure des formes.
Et pourtant le succès, qui avait été refusé à Sisley de son vivant, s'attacha ainsi à son nom dès l'année suivant sa disparition.

L’unité de son travail tant dans son inspiration que sa manière de peindre marque la personnalité du peintre. Il a été attaché profondément à l’aspect naturel des choses sans chercher à créer un style ou une théorie particulière. C’est ce qui explique son isolement et donc aussi l’inexistence de suiveurs ou d’adeptes. Sisley a été tellement personnel dans sa retranscription de ses impressions, qu’il est une fin en soi et qu’il ne peut avoir d’imitateurs ne reconnaît pas en lui ce quelque chose qui tiendrait du prophète comme chez Monet ou Cézanne, pour lui la sérénité de Sisley n’appelle pas à ce genre de rayonnement. Son observation des choses sert à des fins individuelles et se rapproche de la méditation.

Alfred Sisley

L'inondation à Port-Marly

 L'Inondation à Port-Marly est un tableau d'Alfred Sisley. Il se trouve actuellement au 2^e étage du musée d'Orsay dans la section 32 (Monet-Renoir-Pissarro-Sisley) et a été acquis par legs du comte Isaac de Camondo. Une autre version du tableau fait quant à elle partie des collections du Musée des Beaux-Arts de Rouen.

Alfred Sisley (30 octobre 1839 à Paris - 29 janvier 1899 à Moret-sur-Loing) est un peintre britannique du mouvement Impressionniste.

Sisley naît à Paris le 30 octobre 1839 de parents Anglais issus de la bonne bourgeoisie. Son père, William Sisley, dirige une affaire d'exportation de fleurs artificielles avec l'Amérique du Sud. Sa mère, Felicia Sell, est plutôt attirée par la musique et la vie de société. Tout naturellement, ses parents l'envoient à Londres, à l’âge de dix-huit ans pour le destiner à une carrière commerciale. Pendant ces années d'apprentissage ( 1857-1862 ), il passe plus de temps à visiter les musées qu'à sa formation commerciale, et admire particulièrement les œuvres de Constable et Turner. De retour en France en 1861, il obtient de ses parents l'autorisation d'abandonner les affaires et peut alors se consacrer à l’art.

En 1880 Sisley se fixe non loin de Moret-sur-Loing, conquis par cette campagne paisible et verdoyante auquel il restera fidèle jusqu'à la fin de sa vie. Le peintre australien John Peter Russell réalise le portrait de Mme Sisley sur les bords du Loing en 1887. À cette période le groupe des impressionnistes est dispersé, après le départ de Renoir, Sisley, Cézanne puis Monet en 1880 des expositions impressionnistes. Chacun cherche à tracer dorénavant sa propre voie. Les expositions personnelles demeurent alors le moyen privilégié pour ces peintres de se faire reconnaître. Sisley accepte sa première exposition personnelle en 1881 à la Vie Moderne avec 14 tableaux, et une autre en 1883 dans la galerie de Durand-Ruel après celles successives de Monet, Renoir et Pissarro.