Le Tintoret (Jacopo Robusti)

La Cène

L' église Saint-François-Xavier à Paris, consacrée en 1894, abrite une magnifique toile du Tintoret ( 1518-1594 ) : la Cène, peinte en 1559.

Elle fut commandée par la Scuola du Saint-Sacrement de l' église Saint-Félix, à Venise. Enlevée à l' époque napoléonienne, elle fut achetée en France. La baronne du Teil en fit don à la paroisse Saint-François-Xavier. 

Le Tintoret, de son vrai nom Jacopo Comin est né le 29 septembre 1518 à Venise, alors capitale de la République de Venise, où il est mort le 31 mai 1594)et doit son surnom (« le petit teinturier ») à son père, Battista Robusti, qui travaillait dans une teinturerie (tintorìa en italien). Élève de Titien, il est réputé pour avoir dépassé son professeur dans la maîtrise des couleurs et des ombres, du rendu de la matière, s’inscrivant ainsi parmi les grands du style vénitien

Les œuvres les plus connues de Tintoretto sont une série de peintures de scènes de la vie de Jésus et de la Vierge Marie dans la Scuola Grande di San Rocco, dont il est nommé décorateur officiel en 1564.

Le Tintoret (Jacopo Robusti)

L'enfant Jésus tend la main droite pour bénir sainte Catherine, agenouillée devant lui. Autour d'elle se pressent trois saints : Jean-Baptiste, drapé dans sa tunique en poils de chameau, Marc avec son attribut, le lion, et Augustin, évêque d'Hippone. Étrangement, sainte Catherine porte le manteau d'or à gros boutons des doges de Venise. Une radiographie a permis de déceler sous son visage la présence d'un cornu, bonnet ducal des doges. Ainsi a-t-on pensé que Tintoret aurait profité de l'absence de Titien à Venise pour tenter d'obtenir une commande officielle de la ville :il aurait peint, peu avant l'élection de celui-ci en 1545, le doge Francesco Donà aux pieds de la Vierge. Ayant échoué, il aurait ensuite transformé ce personnage en sainte Catherine, et féminisé son costume par un léger foulard. Tintoret construit ici une composition d'un admirable équilibre : les figures se répondent deux à deux, masses triangulaires ordonnées selon un schéma elliptique. La colonnade du temple placé derrière le visage de la Vierge en fait le symbole de l'Eglise, tandis que le paysage désertique et le grand ciel orageux, à l'arrière-plan, traités dans des tons sourds et contrastés, mettent en valeur la palette vive des costumes. L'or et la pourpre rayonnent d'un vif éclat, sous l'effet d'une lumière ardente. La monumentalité des figures, la véhémence des attitudes, l'équilibre entre naturalisme et idéalisation renouvellent le genre traditionnel de la sainte conversation.

Théodore Géricault

Louise Vernet enfant, fille du peintre Horace Vernet

Même si Théodore Géricault  est principalement connue pour son tableau "Le radeau de la méduse", on retrouve un chat dans une de ses oeuvres. 
Le félin aux airs de chat sauvage, pose sur les genoux de Louise Vernet

THÉODORE GÉRICAULT, incarnation de l’artiste romantique, est un peintre francais, né à Rouen et décédé à Paris. Son père George, magistrat et riche propriétaire, tiendra par la suite une manufacture de tabac. Sa mère descend d’une famille normande riche. Le peintre ne connaîtra pas de problèmes d’argent, et n’aura pas le souci de vendre ses oeuvres pour vivre.

Vers 1876, la famille Géricault s’installe à Paris et Théodore fait ses études au Lycée Imperial. Il étudie dans des ateliers de peintres avant de s’inscrire à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1811. Géricault decide, en 1816, de partir pour l’Italie. Il est impressioné par les peintres de la Renaissance italienne, en particulier Michel-Ange. En 1820 et 1821, il voyage en Angleterre et découvre les grands paysagistes anglais, Constable et Turner.

En décembre 1821, le peintre revient à Paris. Il tombe malade et ne se débarasse pas de son état que Baudelaire décrira si bien: son « spleen », ennui de la vie. Théodore Géricault meurt en 1824, affaibli par une tuberculose chronique.

 Le Caravage

L'Annonciation du Caravage

L'Annonciation du Caravage est l'un des plus beaux chefs-d'oeuvre du musée. Rares sont les oeuvres
du maître dans les collections françaises (musée du Louvre, musée des beaux-arts de Rouen, musée
des beaux-arts de Nancy). Le tableau de Nancy figurait dans la grande rétrospective organisée à
Rome pour célébrer les 400 ans de la mort du peintre. Il a bénéficié à cette occasion d'une
restauration minutieuse effectuée par l'Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro.
Une exposition dossier en raconte les principales étapes ainsi que l'histoire singulière de cette oeuvre
qui a toujours vécu en Lorraine

 Théodore Géricault

Le Radeau de la Méduse -1819

Le peintre s'est inspiré d'un fait authentique, un drame de la mer dont il a eu connaissance. Il ne s'agit pas d'une catastrophe ayant marqué la mémoire des hommes par le nombre des victimes, quoiqu'il fut important pour l'époque, mais par les scènes d'horreur qui se sont perpétrées sur le désormais tristement célèbre Radeau de la Méduse.

La Méduse est un beau bâtiment, moderne, frégate de trois mâts et quarante-quatre canons, la plus récente et la plus rapide de la flotte française. Initialement, à la chute de l'Empire, elle se trouvait en rade de Rochefort, prête à appareiller pour permettre à Napoléon et toute sa suite de prendre de la distance en se rendant en Amérique. Hélas pour l'Empereur, ce plan avait été déjoué par la présence de la frégate anglaise l'Agamemnon se trouvant au large et attendant bien évidemment la Méduse pour l'arraisonner ou l'envoyer par le fond. L'Empereur avait donc renoncé à ce projet et la Méduse allait bientôt voguer vers son tragique destin.........

Jacques Louis David

Saint Roch intercédant la Vierge

Saint Roch intercédant la Vierge pour les malades de la peste est un tableau peint par Jacques-Louis David en 1780 pour la chapelle du Lazaret de Marseille. Le tableau est commandé au peintre pour commémorer la peste de Marseille survenue en 1720. C'est une des rares oeuvres à thèmes religieux peinte par David. Exposé à Rome dans le palais Mancini alors siège de l'France à Rome Académie de France à Rome, le tableau encore empreint par le caravagisme marque une évolution dans le style de David vers le neoclassicisme par ses références à la peinture de Nicolas Poussin.

Jacques Louis David

 Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard château de Malmaison

Jacques-Louis David,peintre français né le30 août 1748 àParis et mort le29 décembre 1825 àBruxelles, est considéré comme le chef de file de l’Écolenéoclassique, dont il incarne le style pictural et l’option intellectuelle. Il opère une rupture avec le style galant et libertin de la peinture duXVIII^e siècle représentée à l'époque parFrançois Boucher etCarl Van Loo, et revendique l’héritage duclassicisme deNicolas Poussin et des idéaux esthétiquesgrecs etromains, en cherchant, selon sa propre formule, à « régénérer les arts en développant une peinture que les classiques grecs et romains auraient sans hésiter pu prendre pour la leur».

Formé à l'Académie royale de peinture et de sculpture , il devient en 1780 un peintre renommé avec le Serment des Horaces. Membre de l'Académie des beaux-arts, il combat cette institution sous laRévolution et entame en parallèle à sa carrière artistique une activité politique en devenant député à laConvention et ordonnateur desfêtes révolutionnaires. Son engagement l'amène àvoter la mort du roi Louis XVI, et son amitié pourMaximilien de Robespierre lui vaudra, à lachute de celui-ci, d'être emprisonné lors de laréaction thermidorienne. Ses activités politiques prennent fin sous leDirectoire, il devient membre de l'Institut et se prend d'admiration pourNapoléon Bonaparte. Il se met à son service quand celui-ci accède aupouvoir impérial, et il réalise pour lui sa plus grande composition Le Sacre de Napoléon.

Sous laRestauration, son passé de révolutionnairerégicide et d'artiste impérial lui vaudra d'être exilé. Il se réfugie àBruxelles et continue jusqu'à sa mort en 1825 son activité artistique.

Son œuvre, importante par le nombre, est exposée dans la plupart des musées d'Europe et auxÉtats-Unis, et pour une grande partie aumusée du Louvre. Elle est constituée principalement detableaux d'histoire et deportraits. Il fut un maître pour deux générations d’artistes, venus de toute l’Europe pour se former dans son atelier, qui, à son apogée, comptait une quarantaine d’élèves, dontGirodet,Gros etIngres furent les plus réputés.

Il fut l’un des artistes les plus admirés, enviés et honnis de son temps, autant pour ses engagements politiques que pour ses choix esthétiques. Par le passé, rarement un artiste a épousé à ce point les grandes causes de son temps en mêlant intimement art et politique.

Le Caravage,

L'Amour victorieux

Amor Vincit Omnia (l'amour triomphe de tout) généralement traduit par L'Amour victorieux est une œuvre peinte en 1602 par l'artiste italien Michelangelo Merisi da Caravaggio dit le Caravage, et actuellement exposée à la Gemäldegalerie de Berlin.

Le Caravage peint cette œuvre entre 1601 et 1603 sur commande de Vincenzo Giustiniani, aristocrate et riche banquier de Rome. À partir de cette époque, le peintre concentre son travail sur des œuvres religieuses commandées par le clergé, et c'est donc ici l'une de ses dernières œuvres pour un commanditaire privé.

Le tableau représente Cupidon (équivalent dans la mythologie romaine de l'Éros grec), allégorie de l'Amour, sous les traits d'un garçon brun, nu, portant de larges et sombres ailes d'aigle^. Il est juché en équilibre sur ce qui semble être une table recouverte d'un drap, une jambe avancée vers le spectateur et l'autre repliée vers l'arrière; son bras gauche est lui aussi caché vers l'arrière.

Dans la main droite il porte des flèches, attributs classiques de Cupidon. Autour de lui et sur le sol ont été placés des emblèmes des passions humaines: un violon et un luth, une armure, un sceptre et une couronne, une équerre et un compas, une plume et une partition de musique, des feuilles, un globe astral... La musique, la guerre, le pouvoir, le savoir sont donc aux pieds de l'Amour.

Le Caravage, 

Sainte Catherine d'Alexandrie

Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Livre)">Le Caravage, est  un peintre italien né le 29 septembre 1571 à Milan et mort, mystérieusement, le 18 juillet 1610 à Porto Ercole. Son oeuvre puissante et novatrice révolutionna la peinture du XVIIe siècle par son caractère naturaliste, son réalisme parfois brutal, son érotisme troublant et l'invention de la technique du clair-obscur qui influença nombre de grands peintres après lui comme Poussin, La Tour, Vélasquez, Rubens ou Rembrandt. Par ailleurs, il mena une vie dissolue, riche en scandales provoqués par son caractère violent et bagarreur, allant jusqu'à tuer lors d'une querelle, sa fréquentation habituelle des bas-fonds et des tavernes, ainsi que par sa sexualité scandaleuse pour l'époque, ce qui lui attira de nombreux  ennuis avec la justice, l'Église et le pouvoir

Pablo Picasso

Arlequin assis

Connu de tous, l'artiste Pablo Picasso est associé à différents mouvements de l'art moderne. Plutôt que de suivre les modes de l'époque, Picasso développa un art gouverné par sa situation personnelle et sa propre humeur.

Les années de vie de Picasso passées à Paris lui ont permis de se trouver au centre du grand développement artistique de l'époque et donc de rencontrer et côtoyer plusieurs grands du monde de l'art contemporain. Les peintures de Cézanne notamment lui ont été d'un grand intérêt.

Cependant, Picasso était avant tout un innovateur et il a su développer son propre style, très original. Avec Georges Braque, Picasso fut à la tête d'un nouveau mouvement artistique entre 1907 et 1908 : le cubisme. Picasso s'inspira d'une exposition d'art africain au Musée du Trocadero pour développer "son" cubisme. Le premier tableau considéré comme exemple de cubisme est "Les Demoiselles D'Avignon" peint par Picasso en 1907.

Le cubisme se développant de plus en plus, Picasso décida de se mettre à la sculpture et au collage. Son utilisation d'objets du quotidien comme des verres ou des journaux révolutionnèrent la vision que les personnes avaient du collage et de la sculpture.